Arthur Rimbaud, poète de la fulgurance et de la flamboyance, compose « Roman » lorsqu’il est adolescent: un âge où l’ivresse des premiers émois et l’insouciance du quotidien s’entrelacent dans un tourbillon de sensations. Ce poème n’est pas simplement une évocation de l’amour adolescent, mais un tableau vibrant de la jeunesse, du désir et du passage du temps. Rimbaud y peint avec simplicité une histoire qui pourrait être celle de n’importe qui, transformant le banal en poésie. Derrière la simplicité des vers, Rimbaud saisit avec une rare justesse la fugacité du bonheur propre à l’âge de dix-sept ans. Ce poème justement semble être une ode à la jeunesse, un instantané de l’adolescence où l’amour naissant et les errances nocturnes se mêlent à la légèreté de l’été. Continuer la lecture
Première idée formidable: célébrer les 90 ans de l’Hôtel de Ville de Boulogne-Billancourt, chef d’œuvre architectural des années 30. Deuxième idée formidable: organiser une exposition dans la nef du bâtiment, le hall des guichets, cathédrale de lumière aux coursives d’acier éclairée par une verrière, haute de 22 mètres et longue de 65 mètres. Autant dire que le maire Pierre-Christophe Baguet (depuis le 21 mars 2008) ne s’est pas fait prier lorsque le service des archives lui a fait cette suggestion. Dès le début de l’exposition, on découvre d’étonnantes « plaques photographiques » datant de 1931 à 1944, affichées sur un panneau bleu sous le titre « Les Boulonnais dans les années 30 ». Les visiteurs boulonnais s’agglutinent à cet endroit, observant avec tendresse les photos des rues pouilleuses, déchiffrant sous leurs pieds une gigantesque vue aérienne de leur ville à l’époque. Des clichés témoignent de l’obsession hygiéniste de l’époque: « École de plein air: couture » nous montre une quinzaine de jeunes filles en short affairées à leur ouvrage, sagement assises sur des chaises en demi-cercle devant des arbres. « Gymnastique à l’école de plein air » nous offre cette fois une réjouissante série d’écoliers en short alignés sur plusieurs rangs dans une cour, tendant les bras à l’image de leur professeur en costume deux pièces sombre (sic). 
En renouant avec leurs origines, c’est-à-dire avec l’esprit de résistance cher au fondateur, les éditions Seghers livrent en ce début d’année un bel et copieux volume de poésie contemporaine. Pour ce faire, il a été fait appel à Jean-Yves Reuzeau, lui-même écrivain et jury du Prix Apollinaire, ce qui n’est pas rien. Hormis le foisonnement d’auteurs retenus pour garnir les presque quatre cents pages, c’est le regard de l’assembleur qui retient tout d’abord l’attention. Forcément, en sélectionnant une centaine d’auteurs, puis expérience aidant, cela l’a amené à dégager des tendances intéressantes dans la mesure où elles reflètent, au détour d’une strophe ou dans le virage d’une rime, une époque et ses marqueurs. La présentation de Jean-Yves Reuzeau n’est donc pas à enjamber à la légère. Sauf à faire quelques sondages d’abord afin d’y revenir par la suite. Marqueurs ou travers, certains aspects de la vie contemporaine ont ainsi infiltré la poésie des auteurs. « L’éco-anxiété », l’animalisme, le féminisme, la guerre, la fonte du permafrost, mais aussi la reconnaissance faciale jusqu’au frottis vaginal. Pour Jean-Yves Reuzeau la poésie « s’affranchit » mais cela ce n’est guère nouveau. Lui-même en convient d’ailleurs puisqu’il est entendu depuis longtemps que le genre poétique ne se limite pas « à l’art d’aller à ligne ». 
En soi l’objet est beau. Mais si ordinaire qu’il n’intéresse personne. Le rouleau de scotch, dont la marque est passée dans le langage commun, fait partie de ces objets du quotidien dont le design, pourtant soigné, n’émeut pas. Il en va ainsi d’un ouvre-boîte ou d’une paire de ciseaux à ongles. Leur épure a eu beau être élaborée avec les plus grands soins, ils ont le don d’invisibilité sauf au moment où on les cherche bien sûr, afin de s’en servir et non pour les admirer. Il y a eu quand même quelques artistes comme Marcel Duchamp ou Andy Warhol, ayant compris qu’en les signant, en les isolant ou en les colorant, on obtenait une œuvre par décret. Le décret revenant par ailleurs en force dans le champ linguistique à cause d’un président tout de même un peu névrotique sur les bords, c’est le moment ou jamais de ré-opérer quelques trucs dans le domaine de l’art. Très récemment l’artiste italien Maurizio Cattelan, ayant regardé tour à tour une banane et un rouleau de ruban adhésif, avait décidé de les associer en les fixant sur un mur. Mis à prix 800.000 dollars, l’ensemble a été adjugé 6,2 millions de dollars par Sotheby’s au profit d’un de ces nouveaux crypto-monnaie-maker. Entre en rester babas ou scotchés, de l’autre côté du miroir, les différences s’effacent. 
La vie nous entraîne en des choix irrévocables. Ainsi devient-on couette ou draps bordés, super ou diesel, chocolat noir ou chocolat au lait, coupe ou flûte à champagne, Mozart ou Beethoven. Parfois au hasard d’une rencontre, et définitivement. Côté pieds, certains se réclament du camp « pantoufle ». Ils éprouvent par conséquent une notable réticence à l’encontre des mules. Des mules et de tous leurs équivalents cordonniers: claquettes, savates, babouches, sans omettre les horribles tongs. Pierre Bourdieu, fin observateur des hiérarchies sociales, aurait identifié dans la pantoufle l’apanage du bourgeois nanti, exploiteur de la travailleuse en savates. Avec tout ce que cela suppose de rapport à l’argent. Mais l’analyse par de tels facteurs socio-économiques ne tient pas. On trouve des pantoufles à des prix très modiques sur le site des Trois Suisses, tandis que des mules s’exhibent à plus de mille balles chez Louis Vuitton. 
Créée en 1917 par Pierre Reverdy, tirée à peu d’exemplaires, la revue Nord-Sud est aujourd’hui l’une des plus recherchées par les collectionneurs. Son existence fut assez brève (seize numéros au total, jusqu’en octobre 1918) mais la qualité des signataires, les sujets traités, l’avant-gardisme affiché concourent à en faire une revue aussi importante pour l’histoire littéraire que Les Soirées de Paris quelques années plus tôt ou SIC que Pierre Albert-Birot fit paraître de 1916 à 1919. Le titre fait référence à la ligne de métro conduisant de Montmartre à Montparnasse, deux foyers parisiens importants en matière de création littéraire et artistique. Natif de Narbonne, Pierre Reverdy a 21 ans quand il arrive à Paris en 1910. Il s’installe au cœur de Montmartre, 12 rue Cortot (on y trouve aujourd’hui le musée de Montmartre). Il se destine à une modeste carrière de correcteur typographe. Mais surtout il a fait paraître ses premiers recueils de poèmes dont « La Lucarne ovale », dont on constatera plus tard qu’il s’agit d’une œuvre majeure. 
Quand Antoine de Caunes interrogea Bob Dylan sur sa popularité auprès des Français, le chanteur-poète répondit à côté mais resta cohérent sur le strict plan géographique. En affirmant qu’à ses débuts, il s’était très vite intéressé aux poètes français, « Apollinaire, Rimbaud, ces types-là ». Sans doute en raison de la sortie très récente d’un film autour du folk-rock-singer américain, l’INA, toujours prêt à dégainer ses archives, vient de publier cette interview dans laquelle Dylan fait référence à la poésie française. L’entretien a eu lieu en 1984 sur Antenne 2 dans un programme intitulé « Houba Houba ». Bob Dylan (1941-) y apparaît comme un quadragénaire assez beau et se sentant à l’évidence assez libre de répondre comme il l’entend. L’interviewer est bon, Dylan étant Dylan par ailleurs, cette archive est plaisante à visionner (1). Et pas seulement parce que le nom de deux auteurs majeurs comme Apollinaire et Rimbaud sortent de la bouche du grand homme. Qui s’essaie à la modestie avec une voix sonore comme celle d’un oracle grand fumeur. 
Même sans l’avoir vue sur scène, mais simplement sur un écran de télévision ou d’ordinateur, en un clin d’œil on se dit: « Je n’ai jamais vu un phénomène pareil. » On en a connu pourtant, dans l’histoire de l’opéra, des phénomènes, des bêtes de scène ou des voix d’ange, telles la Callas ou la Tebaldi, Montserrat Caballé ou Shirley Verrett, Natalie Dessay ou Anna Netrebko, et bien d’autres. On croyait avoir tout vu, jusqu’à l’apparition de cette arméno-lituanienne nommée Asmik Grigorian, qui aura quarante-quatre ans cette année. Aucune diva n’a jamais investi la scène lyrique comme elle. Son allure, sa démarche, ses attitudes, la moindre inflexion de son visage sont parfaitement naturelles. D’une totale modernité. Comme dans la vie ou au cinéma. On pense au choc que produisit à l’écran Louise Brooks dans les années 1920, avec sa coupe à la garçonne et son jeu si moderne. On a beau dire que Callas était une grande actrice, comme Dessay le fut ou comme Netrebko l’est encore, les voilà désormais démodées. Démodées par cette mince brune à la peau pâle, aux yeux bleu clair et aux longs cheveux bruns. En parfaite actrice, son corps, elle en fait ce qu’elle en veut. Quant à sa voix, tout au service du personnage, elle aussi est inclassable et singulière, avec son timbre lyrique puissant, fauve, allant des graves aux aigus percutants qui nous laissent stupéfaits. 
Il n’en a pas l’air comme ça, à virevolter sous une pluie battante, mais Gene Kelly effectue cette scène mythique avec quarante de fièvre. Coréalisateur avec Stanley Donen, du film « Dansons sous la pluie » sorti en 1952, Gene Kelly (1912-1996) était un perfectionniste têtu, derrière et devant la caméra. La scène mythique a été tournée en deux jours avec deux fois six heures de pluie artificielle. Si bien qu’à force de tenter le diable, le danseur a fini par tomber malade au point d’alerter le thermomètre. Néanmoins la séquence a été achevée avec le sourire et sans donner l’impression du moindre effort. Comme l’expliquait l’intéressé, il fallait compter avec des heures, des jours et des semaines de labeur, avant de donner l’impression au public que toute chorégraphie avait été improvisée la minute précédant le show. Intitulé « Gene Kelly mène la danse », le documentaire de Claudia Collao est un film de saison, épatant de bout en bout et visible sur Arte, jusqu’au 1er avril. Modeste, bosseur, engagé côté démocrate, Kelly contredit encore l’adage selon lequel, personne n’est irremplaçable. Il disait par ailleurs qu’il était un prolétaire tandis que Fred Astaire, l’un de ses partenaires, appartenait aux aristocrates. Les deux faisaient la paire. 
Lorsque l’art et la politique interagissent, le résultat se nomme « la propagande ». Le pouvoir utilise l’art, pictural ou statuaire, pour célébrer des personnalités marquantes, ou pour produire un certain type de réalité humaine ou sociale, par l’imposition de figures présentées comme exemplaires. Bonaparte a abondamment fait usage de ce mélange des genres pour fonder le mythe napoléonien. Les régimes totalitaires du XXe siècle l’ont poussé à son paroxysme. Les nazis ont forgé « l’art allemand », les soviétiques ont défini le « réalisme socialiste ». Très curieusement, sur des pré-supposés différents, le résultat visuel apparaît très voisin. Les uns vont célébrer l’identité nationale; entre ordre et nature, illustrer la noblesse du travail et le caractère central du Volk (peuple), les autres vanter l’avenir radieux, louanger le sens communautaire du peuple uni par les idéaux marxistes. Cela donne des œuvres proches du chromo. Parallèlement est abondamment représenté le personnage central, le Führer, d’une part, le génial Staline (ci-dessus par Picasso), de l’autre. L’exposition en cours consacrée à Nadia Léger par le musée Maillol nous montre comment un engagement politique va influer sur l’œuvre d’une artiste. Elle débute et se termine par le panthéon du parti dont elle est membre, Lénine, Staline, Marcel Cachin, Maurice Thorez, Benoit Frachon, Pablo Picasso, etc…Archives
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