La main qui a laissé échapper ce pistolet rouillé n’est plus là. Peut-être qu’elle a fait le repas des rats qui se pressaient autour des cadavres abandonnés. Dessous il y a des munitions altérées par le temps, de même qu’un improbable flacon. Après 10 ans d’existence, le Musée de la Grande Guerre, à Meaux, expose 10 ans de donations issues de familles ou de collectionneurs, sans compter les achats (1). Remarquable établissement qui a voulu situer sa scénographie à hauteur des hommes et des femmes ayant été les acteurs, sur ce qu’il est justement convenu d’appeler le théâtre des opérations. Cet immense musée de béton, le plus grand d’Europe sur ce thème, a recueilli et restauré des milliers d’objets, du plus petit comme un briquet à un impressionnant char Renault biplace, modèle 1918. Sur la dernière décennie 30.500 pièces ont été déposées par quelque 2000 donateurs. Accentuée par quelques effets sonores et images animées, la guerre de 14/18 est ici restituée au point de déciller nos yeux, imprudemment blasés par un long temps de paix. Continuer la lecture
La BnF expose actuellement Giuseppe Penone. Figure majeure de l’art contemporain dont l’œuvre est connue pour interroger la relation entre l’homme et la nature, l’artiste italien, né en 1947 dans le Piémont, et associé à l’Arte Povera (1), nous livre ici sa pensée autour de la trace, de la mémoire et de l’écriture. Une œuvre en particulier est au cœur de cette exposition, à laquelle elle a donné son titre : “Pensieri e linfa” (Sève et pensée). Réalisée spécialement pour l’occasion, il s’agit d’une spectaculaire installation formée de l’empreinte d’un acacia de 30 mètres de long et d’un texte manuscrit de l’artiste courant de part et d’autre de cette empreinte, une “œuvre-somme” en quelque sorte qui donne à voir la grande poésie qui caractérise la production artistique de Penone depuis plus de 50 ans. 
En cette date anniversaire de la mort de l’écrivain-poète, il fait bon annoncer que Guillaume Apollinaire fera bien partie d’une liste de « Portraits de France » au Musée de l’Homme, à partir du premier décembre. Cependant, l’image ci-contre, réalisée par Jacques Floret, laissait entendre en illustration d’un communiqué, qu’il y serait en vedette au milieu des vedettes, de même que son voisin à moustaches Salvador Dali. Mais non. De fait, nous a-t-il été dit, le visuel sera corrigé. Car l’expo est divisée en deux, ceux qui feront l’objet d’un développement et les autres. Cinquante-huit personnalités retenues au titre des hommes et femmes issus de l’immigration feront partie des personnages mis en avant. Eux-mêmes étant exfiltrés d’un rapport sur la question, remis à Emmanuel Macron en mars 2021 et qui contenait 318 noms, à la notoriété vivace ou périmée. Apollinaire figurera parmi ces derniers, avec juste une image et un nom, de même que Dali. Un choix a donc été fait. Sur la période de référence qui aurait pu le concerner (1889-1914), on note Émile Zola, Marie Curie, Chocolat (Raphaël de Lejos ou Raphaël Padilla), Isadora Duncan, Olga Preobrajenska mais pas lui, dommage. 
En 1998, ce fut la première exposition d’importance après la réouverture du palais des Beaux-Arts de Lille, fermé pendant six ans pour travaux et agrandissement. On avait mis toute la pompe et le faste nécessaires pour l’événement. Un président de la République (Jacques Chirac), un ancien premier ministre (Pierre Mauroy) et une brochette d’élus plus ou moins officiels avaient fait le déplacement, manifestant soudainement pour l’art une passion qu’on ne leur connaissait pas toujours auparavant. Le nouveau lieu accueillit une exposition consacrée à Goya («Un regard libre»). Personne n’en fut étonné, l’établissement possédant deux-chefs d’œuvre absolus du peintre aragonais, deux tableaux de grande renommée connus sous les titres apocryphes « Les Jeunes » et « Les Vieilles ». Des toiles très représentatives du génie de son auteur et auxquelles un singulier destin conférait une dimension quasiment légendaire. 
Plus aucun cinéphile ne peut ignorer désormais que chaque film de l’Américaine Kelly Reichardt, cinquante-sept ans, est un événement, et qu’elle a pris place parmi les plus grands dans le firmament du cinéma indépendant. Ou même parmi les plus grands tout court (voir sa rétrospective d’octobre dernier au Centre Pompidou). Venant après son film choral «Certain women» (
Bien que leur mission porte avant tout sur le contenu de l’assiette, messieurs les inspecteurs du Michelin ne manquent pas le tour aux toilettes. L’état des «lieux» de l’établissement visité trahit l’hôtelier ou le restaurateur négligent ou artificieux. Il signe la maison de bonne tenue, consciente de ses devoirs : carrelage lumineux, tuyauterie étincelante, faïence immaculée, atmosphère subtilement nuancée par les fragrances d’un pot-pourri de bonne facture. Dès l’origine, l’entrée dans le guide imposait, à qui voulait prétendre, un «appareil de chasse à effet d’eau à siphon, aux murs garnis de carrelage d’extrême propreté, doté de papier hygiénique». Toutefois, hors l’urgence, il est de bon ton de n’en point parler plus avant. Hérité des valeurs bourgeoises de la fin du XIXème siècle, un tabou frappe tout ce qui a trait aux nécessités physiologiques. Dès lors, l’endroit ne se désigne que par des périphrases («où puis je me laver les mains ?» ou «me repoudrer le nez ?») voire des diminutifs nigauds (du genre «les ouaoua»). 
Dans le Paris du 19e siècle, les lions, les éléphants ou les rhinocéros étaient aussi rares qu’aujourd’hui, faute à une latitude inappropriée. Aussi, c’est tout naturellement vers la ménagerie du Jardin des Plantes que Gustave Moreau s’est tourné, afin d’illustrer par l’aquarelle, les fables de La Fontaine. Il y trouva notamment un lion que l’on appelait Brutus et un éléphant baptisé Bangkok. Quant aux vautours ou l’un des rhinocéros, animaux qui l’inspirèrent également, ils étaient anonymes. Gustave Moreau (1826-1898) répondait en cela à une commande du collectionneur Anthony Roux (1833-1913) qui voulait éditer le livre des fables avec des illustrations originales. Gustave Moreau avait donc pris une carte d’accès à la ménagerie (inaugurée en 1794), laquelle lui permettait d’approcher les animaux en dehors des horaires d’ouverture du public. Ce travail important n’avait pas fait l’objet d’une réunion des pièces concernées depuis 1906. Une soixantaine est actuellement le sujet d’une exposition, dans le lieu-même où elles furent conçues. C’est l’occasion de redécouvrir cet espace, l’homme des fables, et celui qui s’appliqua à les agrémenter sur le tard, avec un talent certain. 
Sylvain Creuzevault n’a pas froid aux yeux, car après son adaptation des « Démons » en 2018, il se lance dans la dernière œuvre-monde du romancier russe, « Les Frères Karamazov ». La mise en scène tient ses promesses de «farce» et de «scandale» mais ces Karamazov en perdraient-ils un peu leur souffle ? La proposition est forte en ce qu’elle retrouve l’attrait de l’intrigue policière, et nous tient en haleine pendant près de trois heures et quart au théâtre de l’Odéon. Qui a tué le vieux Karamazov : ce mauvais père — grand jouisseur, incarné par un Nicolas Bouchaud pétulant ? Les trois fils et frères tourbillonnent autour de leur père comme autant de points cardinaux d’une boussole déréglée. Dimitri, l’épicurien au grand cœur, Ivan l’athée raisonneur sont admirablement incarnés par Vladislav Galard et Sylvain Creuzevault lui-même. Smerdiakov, le quatrième fils illégitime, est joué dans toute son ambiguïté et sa veulerie désespérée par Blanche Ripoche. Dans une construction très efficace, chaque personnage a son moment : la célèbre tirade d’Ivan sur le scandale du mal et de la mort d’un enfant est un des sommets de cette mise en scène aux rebonds nombreux. 
Un bon moyen d’agrémenter une journée plate comme un premier novembre consisterait, c’est un (bon) conseil, à revoir « La Traviata » de Verdi donnée à l’Opéra de Salzbourg en 2005, soit deux heures et dix-huit minutes de parfait bonheur sur Youtube. Idéal pour les germanophones, car les sous-titres sont en allemand. Dans un cinéma UGC jusqu’au 4 novembre c’est (un peu) plus proche de l’ambiance de l’Opéra, assis dans des fauteuils, avec d’autres spectateurs, pour vivre ensemble l’expérience sur grand écran. Et quel spectacle ! Fini le décor de salle de bal où les fêtards en habit XIXe siècle font semblant de s’amuser. Ici le décor, grandiose, est minimaliste, immense, tout blanc, ou presque. Les chanteurs aussi sont habillés de façon sobre, tous, hommes et femmes compris, en costumes noirs et chemises blanches, sauf Violetta qui arbore une «irrésistible» robe rouge. Ce n’était pas encore la mode des décors indigents, faits de bric et de broc, de récupérations de spectacles précédents, et de chanteurs habillés « comme tous les jours », comme les gens qu’on croise dans la rue, ou les collègues au travail. 
«Ne fais pas une hagiographie», demande au téléphone Amos Oz à son amie et biographe Nurith Gertz. La voix est un peu cassée, mais le ton demeure ferme. Il poursuit : «N’écris pas seulement les bons côtés… Écris que c’était un homme avide d’honneurs. Écris que cet homme était une mascarade ambulante. Écris tout, mais pas un panégyrique ni une ode à l’amour. Écris ce que toi seule et personne d’autre ne peut écrire.» Étrange, rare et bouleversante injonction d’un grand écrivain faite au téléphone un an avant sa mort survenue le 28 décembre 2018 des suites d’un cancer. C’est ainsi que débute le portrait du cinéaste israélien Yair Kedar consacré en 2020 au plus célèbre écrivain en langue hébraïque, co-produit par Arte et diffusé le 20 octobre dernier (et jusqu’en 2024). Cette conversation téléphonique avec l’amie et biographe va structurer le documentaire, on y revient régulièrement, avec à l’image une large fenêtre donnant sur une rue tranquille ombragée d’arbres où passent quelques piétons, cyclistes, promeneurs. C’est «La quatrième fenêtre» qui donne son titre à l’œuvre, et nous allons en découvrir peu à peu la signification. Archives
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